\\ トビチ美術館2023 偶然、ここで。展 アーカイブブック アーティストステートメント一覧 //
〈トビチ美術館2023 偶然、ここで。展 アーカイブブック アーティストステートメント一覧〉
眞弓優子 Yuko Mayumi
JA
SIESTAという作品を制作しました。
今回の滞在制作は作品をつくることだけではなく、
昼寝をしているような、そんな瞬間を積み重ねています。
心や思考が魔界に属していたので、辰野町へ来て自分の感じていたものを思い出すことができた。
夢物語の夢ではなくて、現実の中でゆったりと見ている夢の中。
お昼休憩で寝ている夢の中といった感じ。
次に進むための優しい休暇、
誰かを巻き込むというよりも自分のためにつくった作品かもしれないし、
誰かにとって何かを考えるきっかけになる作品かもしれない。
積むという行為には、人間が本来持っている身体的なノーマルな動き、
自然とやってしまう、すでに知っている感覚的な遊びがあるかもしれない。
作品を作っていくにあたり、いつも入れ物(FORM)を探し求めていて
輪郭を持たないあらゆる断片を1つの形として存在させたいと思い制作してきた
それがやっぱり自分自身にも深く結びついていて、“ある”と思うものに対してがむしゃらに突き進みすぎていた、
というか“ない”ものに対して向き合おうとしなかったというか・・・。
「娯楽」という輪郭を持ったものに魂を奪われていたような。
あるものに依存しているから、ないものに向き合って作っていこうという思いを忘れていたと思う。
楽しいはわかっても悲しいはわからない、でもその楽しいは、本当の楽しいじゃない。
空っぽな輪郭だけの存在に中身をつけようと、ただひたすらに動きすぎていたのかもしれないなと思った。
だから今回、辰野で制作している作品は意図的に形を作らない、
自然に生み出された無添加の形を使って制作することにした。
でもその形は、“ない”ではなく、“ある”。
自然に身を任せることは怖いことでもあった。逃げている感じがした。
でも今回は、自然に身を任せている。“形にはめこむこと”、“形になろうとすること”、“輪郭を求めること”、
それをいっさいやめて、ありのままの姿で形を作っていく。
でも断片を1つの形に固めていきたいという思いは引き続きあって、
気づいたら積み石のように積んでいた。
作品に私情を挟むタイプではないけど、今回は重なるものがたくさんあって
無意識に積みながら自分自身も浄化されている感じがあったし
何かを願う自分もいたかもしれない。
素敵な人々を導いてくれて、この場所にたどり着けてよかった。
船を漕いでいるとたどり着く場所があると思った。
人生がゆるやかに停滞へと向かっている中、行くべき場所に辿りついて本当によかったと思っている。
夕飯を同じテーブルで取っている時は、みんなもぐもぐしてるのに
制作になると、個を持った別人になる瞬間を見るのが好きでした。
展示場所も、まるでその人のためにあったかのような場所になっているのも興味深くて、
空き家を使って展示をするって、めちゃくちゃ面白いと思った。
痕跡も持つ場所だからこそ、
色々な人々が作品をつくり続けることで
また、新しい蓄積が生まれて空気になるのかもしれない。
ありがとうございました！
EN
I created a piece called SIESTA. This residency project is not just about creating works; I’m accumulating moments where I feel like I’m taking a nap. Since my heart and thoughts belonged to the demon world, I was able to remember what I had been feeling when I came to Tatsuno Town. It’s not a fantasy dream, but a dream that is relaxing in reality. It felt like I was in a dream while sleeping during my lunch break. A gentle vacation to move on, It may be a work that I created for myself rather than involving someone else, It may be a work that gives someone something to think about. The act of stacking involves a normal physical movement that humans naturally have. There may be sensory play that you already know that comes naturally to you.
When creating works, I am always searching for a container (FORM). I have created this work with the desire to make all fragments without outlines exist as a single form. After all, this was deeply connected to myself, and I was pushing too hard towards what I thought was “something”.
It’s like I didn’t try to face what I didn’t have… It was as if my soul had been stolen away by something that had the outline of “entertainment.” I think that because we depend on what we have, we have forgotten how to face what we don’t have and try to create it. I know what’s fun, but I don’t know what’s sad, but that fun isn’t really fun. I thought that maybe I was just moving too hard, trying to add substance to what was just an empty outline. That’s why the works I’m creating this time at Tatsuno intentionally don’t have a shape. I decided to create it using a naturally produced, additive-free form. But its shape is not “not there” but “it is”.
I was also afraid of surrendering to nature. I felt like I was running away. But this time, I’m letting nature take its course. “Fitting into a form”, “trying to become a form”, “seeking an outline”,
I give up all that and create the form as it is. But I still have the desire to solidify the fragments into a single form, Before I knew it, they were piled up like piles of stones. I’m not the type to include personal feelings in my works, but this time there were a lot of overlaps. I felt like I was being purified as I was accumulating unconsciously. I might have been wishing for something. I’m glad that I was able to find this place thanks to the wonderful people who guided me.
I thought there was a place I could reach by rowing a boat. While my life was slowly heading toward stagnation, I feel like I’ve finally gotten to where I need to go. When we eat dinner at the same table, we all munch. I loved watching the moment they created something, the moment they became different people with their own individuality. I also find it interesting that the exhibition space is designed to look like it was created just for the person in question. I thought it was really interesting to use an empty house for an exhibition. Because it is an empty house with traces, As various people continue to create works, New accumulation may also be created and become air.
Thank you very much!
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中根隆弥 Ryuya Nakane
JA
天ノナガレと湖ノ伝説
昔 荒神山はもっと大きく、東西の山々につらなり天竜川をせきとめて、辰野は湖であった。
この湖には一匹の竜が住んでいて、天へ昇ったり下りたりしていたが或時大雨が降って湖の水ははんらんし ついに荒神山の東西をきりくずして流れ出し湖はひいてしまった。
水がなくなったので、竜もとうとう天へ昇ってしまった。
それで竜野（辰野）と云うようになった。
しばらくすると ひいてしまった湖には何処からともなく、幾本もの筆が生えてきた。
筆はこの地を気に入ったらしく、踊るように新しい色をつけはじめた。
この地（辰野）への想いが、筆を動かしていた。
筆はただがむしゃらに荒々しく色をつけ続けた。
踊り続けた。
つけられた色は幾重にも重なり、継ぎ接ぎの様になっていた。
荒々しくも重なり続け、継ぎ接ぎは広がり続けている。
決して美しく、器用に色づけされているわけではない。
筆は竜よりも荒々しく盛大に色をつけながら踊り続ける。
湖よりも大きくて、崇高なモノを創り続けている。それが辰野の新しい湖となる。
天竜川のはんらんからはじまった、新しい湖の伝説をここに記す。
EN
The Legend of Lake and flow to the sky
Long ago, Koujinyama was big and connected to the mountain to the east and west, so it dammed the Tenryu River up that the Tatsuno town was the lake.
A dragon used to live in this lake; he often went up to the sky and went down. However, it rained heavily someday, the lake flooded, and finally, it eroded the mountain to the east and west. Lastly, the lake receded utterly. Because the water was gone, the dragon returned to the sky after all. So, this place started to be called “Tatsuno”.
After a while, many brushes had grown in the receded lake. They love this place and started to paint new colors as if they were dancing. Thought for this place (Tatsuno) move those brushes. Brushes just keep painting color frantically and roughly. They kept on dancing. Color painted by brushes in layers over and over. It looks like a patchwork. Even if it was rough, it continued to overlap and spread. It was not beautiful and colored with dexterity. Bulrushes kept coloring grandly and dancing rougher than the dragon. It was bigger than the lake, and it kept creating sublime things. That became a new lake in Tatusno. I had written down the legend of the new lake that started from the overflowing of the Tenryu River.
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出垣内愛 Ai Degaito
JA
私は日々、「土／素材との対話」を通じて作品制作をしています。「土との対話」では、生活の中で感じた葛藤が私の手を伝わり、身体性や精神性を持った生々しい形が生まれます。その後、「素材との対話」を試み、生の状態から自身の理想の色やテクスチャに仕上げるため、釉薬を施します。しかし、窯から出てきたそれは、毎回思い通りにはいかないのです。この興奮を他者と共有したい、その一心で作品を発表しています。
物質を通じて感情を他者と共有することと、陶磁器表現（炎・土・釉薬）という三位一体の芸術は共通しているように思います。私の精神と外界、そして素材、それぞれが生み出す形はその複雑性により、作品は固有の意思を放ち続けるのです。
レジデンスへのおもい
今回は辰野町の（一社）◯と編集社が開催しているレジデンス。
ファインアートを主にする私は作品は、必ずわたしの手の動くまま自分中心になります。なので、自分なりにこの街と繋がる方法、わたしの軌跡を共有する方法を考えました。
まずは、この街の一員になりたい。辰野町、○と編集社の原点ってなんだろうと考えると、きっとこの広い土地を見るのではなく、もっとピントが絞るべきなんだ、
そうすると、最初はリバーが集い場で
人が増えるよりも先にリバーを拠点に場所の情報が増え新しくなっていった街、私は最初を見ることは出来なかったけれど、きっとリバーという場所が軌跡を残してくれていると考えました。
わたしは辰野町に目を向けたく、滞在地からリバーまでの道のりを何度も往復していました。
私は一人の住民のようになった気分でした。オブジェはわたしが普段抱いた気持ちを素材と相談します。オブジェはこの場所へ抱く気持ちが形となっています。街の方達とオブジェを焚き火で焼成し、予測できない形の変化は、私と土地との言葉にも目にもできない、繋がり方を表します。オブジェがもつ土地への思いが形になって、人に観られる価値になります。
わたしの蓄えてきた陶芸の知識が誰かに伝わり、見えない価値に繋がって行きます。ささやかながらですが、誰かの未来へ添うものになればと思っています。
EN
I create artwork through a “dialogue with clay/material” every day. In the “dialogue with clay,” the conflicts I feel in daily life are conveyed through my hands, giving rise to raw forms with a sense of physicality and spirituality. Subsequently, I attempt a “dialogue with materials” and apply glazes to transform the raw state into my ideal colors and textures. However, what emerges from the kiln doesn’t always turn out as I expected. I present my artwork out of the desire to share this excitement with others. It seems to me that the trinity of ceramic expression (flame, soil, glaze) and sharing our feelings with others through materials have a commonality. Due to the complexity of each shape created from my mind, the external world, and the materials, artwork allows them to emanate their inherent will continuously.
Thoughts on the Residency:
At this time, I participated in a residency organized by Tatsuno Town. As an artist focusing on fine art, my works center around my movements. Therefore, I contemplated connecting with this town and sharing my trajectory. First, I wanted to become a member of this community.
When I pondered about the origins of the company “MARU to Edit” and Tatsuno town, I started to think that I should refine my focus. The STUDIO River was a gathering place at first, and the information about places increased and renewed based in the River. Even if I couldn’t be there back in the day, I’m sure that place called the River left trails. To focus my eyes on Tatsuno, I went back and forth between the River and where I stayed. I felt like a resident of Tatsuno. The sculptures consult with materials about the emotions I typically hold.
The sculptures were formed by the feelings that I have for this place. When I was firing the sculptures with the local people, there were unexpected changes in shape, symbolizing an unseen, intangible connection between me and the land. Thought of land that the sculptures have become value seeing in people. My accumulated knowledge of ceramics is conveyed to someone, contributing to an invisible value. I hope my artwork modestly accompanies someone’s future.
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岩村朋佳 Tomoka Iwamura
JA
私には、家みたいなものがありません。
栃木県では、祖母が住んでいた家に寝泊まりし、
今年の夏と来年の冬は北海道に行きます。
最近は東京の人の家にもよく泊まるようになりました。
辰野には10月1日から滞在しています。
その間にも、栃木や東京を車で移動しました。
だから、まだあまり辰野のことを知りません。
移動を繰り返し、自分の家というものがなくなっていくと
移動先やある期間の滞在場所で、自分の好きな場所をつくりはじめます。
どこにいても自分の好きな光と風と空気があって、
それを見つけるために部屋を掃除したり、ものを置いたりします。
小さな家も大きな家も全て同じ、自分の居場所です。
小さな家をつくっているとき、ラジオでイスラエルのニュースを聞き
今いる場所、手元の家、遠い国の家は地続きで繋がっていると思いました。
人々の暮らしや営みの中に、国や様々なものが内包されていて、
世界のあらゆることが自分の体の内にあることを思い出します。
EN
I have no place that can be called my home. In Tochigi, I stayed in the house where my grandmother has lived, and I’ll be in Hokkaido this summer and the next winter. Lately, I often stay in the homes of people in Tokyo as well. I’ve been staying in Tatsuno since October 1st. During this time, I’ve also traveled by car through places like Tochigi and Tokyo.So, I still don’t know much about Tatsuno. When I repeat life on the move and I lose some kind of my home, I begin to create a place that I like at a destination and where I stay for a while. Wherever I am, there are the light, wind, and air I love, and to discover them, I clean the room and arrange things. Both small houses and large ones, all places are the place I belong to.
While making small houses, I heard the news about Israel on the radio, and I thought the place I am in now, the houses on me, houses in distant lands are all connected. The nations and various elements are involved in the lives and activities of people. I recalled that everything in the world exists within my being.
Tomoka Iwamura
노상희 Sanghee Noh
KO
우리가 사는 이 공간은 펜데믹으로 인해 많은 변화를 겪었다. 익숙했던 환경이 낯설게 느껴지고, 평범했던 일상의 ‘공간’은 돌아갈 수 없는 무엇으로 바뀌었다. 그 기간 나는 펜데믹의 영향을 받은 우리가 영위하는 삶의 ‘공간’을 이루는 기본적인 것들에 관심을 갖게 되었다. 흙, 바람, 공기, 모래, 물 등의 소재로 새로운 작업과 연구를 진행하면서, 다양한 시도를 선보였다. 그 중 이번 작업 ‘Flat water’는 ‘물’ 자체에 대한 하나의 제안이다.
물은 우주에서도 아주 흔한 물질이지만, 한편으로는 지구처럼 수 많은 생명이 의존하며 온전한 형태로 유지하는 경우가 드물다. 그런 아주 기본적이면서도 너무나도 중요한 ‘물’에 대해 다시금 생각해보고자 이번 작업을 진행하였다.
타츠노 타운에는 마을을 가로지르는 아름다운 강이 있다. KOUTEN 안의 공간에서 전시를 진행한 곳에서도언젠가 연못이였을 것처럼 보이는 흔적들을 발견할 수 있었다. 그렇게 물은 누구에게나 너무도 중요한 요소이다.
펜데믹 이후로 내가 들렀던 파리, 일본, 그리고 내가 사는 한국에서도 삶의 모습을 이전처럼 되찾으려는 노력들을 빈번히 볼 수 있다. 그러나 우리는 잊지 말아야 한다. 펜데믹 같은 전 지구적인 현상은 언제든지 다시 찾아올 수 있고, 우리의 세계는 언제든지 갑자기 변화할 수 있다.
우리는 과거의 모습을 회복하려고 하지만, 이제 이전과 같은 상태로는 돌아갈 수 없을 것이다.
이곳 타츠노 타운은 매년 평균 200명의 인구가 감소한다고 한다. 내가 사는 도시 한국의 ‘대전’도 점차적으로 젊은층들이 ‘서울’로 이동하고, 무엇인가를 바라며, 한 나라의 가장 큰 도시로 이주를 한다. 내가 이색적이었던 것은 이곳 일본도 한국과 마찬가지로 도쿄로 매년 많은 젊은 층들이 이주한다고 한다. 그렇게 한 도시를 제외한 나머지 한 나라의 모든 도시들이 천천히 소멸되어가는 과정을 거치고 있다.
그런 곳에서 마주한 일본의 한 작은 동네에서 한국과 같은 비슷한 경험하는 많은 사람들을 만나며 시작한 드로잉 작업들이 ‘이백명의 사람들’이다.
내가 있는 도시도 매년 인구가 줄어들고 있다. 이 현상을 객관적 수치인 이진법으로 ‘이백명의 사람들’을 하나의 정보로 표기해보고자 했다. 미래를 조금 더 나은 것으로 만들어보려는 사람들을 보면서 감정 없이 그려본 작품이다.
인간은 항상 모든 요소와 상호작용을 하고, 크고 작은 변화에 민감하다. 그렇게 인간은 한 명, 한 명의 유기적인 관계를 이루며, 공간 속에서 살아간다. 우리의 미래는 언제나 그렇듯 알 수 없다.
그래도 한 걸음 한 걸음 조금씩 앞으로 나아가려고 하며 조금은 나은 내일을 바라보는 것, 그런 모든 것들이 있었던 타츠노 타운이었고, 사람들이었다.
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Delphine Mogarra
FR
TATSU/NIWA
De la rivière aux nuages
« Tatsuniwa » est une installation croissante et participative où le dragon et la rivière se rencontrent, où la forme serpentine grandit, se fane et repousse, respirant comme un jardin, respirant comme un conte.
On dit qu’à Tatsuno vivait un dragon qui faisait le lien entre le monde terrestre et céleste. Niché à l’intérieur d’un lac, sa forme liquide faisait pulser l’esprit et le mouvement de l’eau. Un jour le lac déborda et toute l’eau s’évacua, le lac disparut et le dragon aussi. Son esprit persiste, dans la fluidité de nos liens, dans l’effort collectif, nous formons et reformons le dragon, goutte après goutte.
Vous pouvez arroser la forme absorbante du dragon, comme dans un jardin : trouver les trois sources de liquide dans l’espace, verser le liquide dans des bols et utiliser une pipette pour nourrir et faire grandir la sculpture. Vous pouvez également ajouter quelques petites cordes pour recouvrir la forme à l’aide de la pince laissée au sol.
Merci pour votre participation
EN
TATSU/NIWA
From river to clouds
“Tatsuniwa” is an on-growing and participatory installation where the dragon and the river meet, where the serpentine form grows, withers, and regrows, breathing like a garden, breathing like a tale.
It is said that in Tatsuno there lived a dragon who was the link between the terrestrial and celestial worlds. Nestled inside a lake, its liquid form pulsated the spirit and movement of the water. One day the lake overflowed, and all the water drained away, the lake disappeared and so did the dragon. His spirit persists, in the fluidity of our bonds, in the collective effort, we form and reform the dragon, drop by drop.
You can water the absorbent form of the dragon, like in a garden: find the three sources of liquid in the space, pour the liquid into bowls, and use a pipette to nourish and grow the sculpture. You can also add some small ropes to cover the shape using the pliers left on the ground.
Thank for your participation.
Delphine Mogarra
Tobichi art Museum / 2023
JA
「辰庭」
川から雲へ
「辰庭」は、龍（辰）と川が出会い、蛇行し、枯れ、再生し、庭のように、物語のように息づく、成長し続ける参加型のインスタレーション。
辰野には地上と天界を繋ぐ龍が住んでいたと言われている。湖の中に佇むそれは、水の精神（スピリット）と変動を活発にする。ある日、湖が氾濫し、水はすべてなくなり、湖は消え、龍も消えてしまった。龍の精神（スピリット）は、私たちの絆の中で、集団的な努力の中で、一滴ずつ龍を形成し、存続し続ける。
この作品では、庭の水やりのように、吸収性のよい龍に水やりをすることができる。展示会場にある 3 つの液体を見つけ、その液体をボウルに注ぎ、ピペットを使い、作品に栄養を与えて成長させる。床に置いてあるペンチを使って、小さな紐を作品に重ねることもできる。
ご参加いただきありがとうございました。
Delphine Mogarra
Tobichi art Museum / 2023
Kong Shengqi
ZH
我的创作一直是通过雕塑和视频的装置探寻着某种对事物内部剖面结构的呈现和对易逝记忆的保存。就像城市和建筑给人提供一个生活的舞台,我也希望我的作品可以成为某种游戏般的触发机制或定格等待因人们参与而重启的仪式,让人们在与之互动中暂时跳脱出习以为常,感受到万事万物的生命力。
来到辰野,最先吸引我注意的事情之一就是每天早中晚固定时间在这座城镇里回响的旋律。想必这些旋律已成为当地人生活中不可或缺的组成部分。想必每一个在这里生活过一段时间的人,再听到这些声音片段时一定会感到怀念,并唤起很多回忆。不只是音乐,日常的各种声音也同样承载着记忆。在空家中,物品消失了,使用它们时产生的声音也随之消失。生活中的物品,工具,当它们还在制造声音,就彷佛它们还活着。而当它们的功能不再被需要,它们的命运不是被丢弃处理便是束之高阁,即便少数是被收藏展示,也再难发出声音,与人交流。因此,与Tobichi art museum提出的利用空家中回收的旧物创作的初衷不谋而合,我从“宝岛”带回了这些古道具,试图在我的展览里让它们以乐器的形式“复活”。
旧将棋道场的和室空间可以面向道路敞开,仿佛一个舞台或一张棋盘。我的乐器们放置在上面也如一件件等待被表演使用的道具或被调动的棋子。下棋所必不可少的谋略,让我想到了汉语成语“草蛇灰线”。它指草中爬行的蛇,用灰尘画出的线,比喻隐约可寻的线索或内在脉络。因此在这个展览中,我用荧光的尼龙线绳连结了大部分“乐器”,有时它是连可以控制别的物体运动的线,有时它是可以通过调整松紧来改变音色的弦,穿梭连结在空间中,不经意地触动一段可能就会改变其他乐器的声音。比如在入又处通过一个笛子般的空心竹棍控制缠着线的木轴就可以控制藏在壁龛里的年糕锤,控制它敲击墙壁或倒下拍击地板,我想到的是马勒第六交响曲中被认为象征着死亡的锤音,并在这里用儿童滚轴游戏般轻松的形式去解构它。而最终它收束于一个由旧木枕和木杆称组成装置,通过调整秤砣的位置,弹拨用于悬挂它们的弦的音色就会改变,似乎在诉说声音也是有重量的。
在栗子成熟的时节来到这里,在栗子公园看到了散落在地上各处的栗子,感觉自己也仿佛是偶然掉落在这片土地的栗子,开始想象它们掉落的声音…我将从那里捡拾的栗子带回来,作为制造声音的道具加入这个装置,希望人们也可以通过栗子这个化身,触及或进入装置中的各个乐器,感受到一种偶遇的乐趣。特别是向竹编篮,木扇车和悬挂在它前面的金属桶,这三者向上的开又里投掷栗子,制造出的不同声音会让人对它们的材质和内部空间有更多感受与理解。而竹编篮中藏着一个被报纸贴住截面的木桩,这个截面像是猴脸的形状,而猴子也是我对长野山地地区认知中一种代表性动物,我想象着这只猴子悄悄藏进上山劳作的人背着的竹篮,也被沿路掉进竹篮的栗子砸到,所以我用闪光粉大致勾勒它的眼和嘴,作为人们向其中投掷栗子时可能发现的彩蛋。而向播放着的旧唱片上放置栗子,重量和碰撞都可能影响唱针和唱片的接触,从而在无法判断的时刻读出一些唱片中存储的声音信息,正如我们通过这些残存的物品追寻这里曾发生过的故事。
在下棋时制造声音并不是目的,却是无可避免的,因停用而安静下来的道场不免令人感到落寞,所以我希望借由一个声音互动装置让它再次喧闹起来。这在展览中一个反扣的木桶上设置的游戏中体现得最明显,这个乍看像鼓一样的装置可以让三个人通过像桌面足球一样分别用一支玻璃管对一枚栗子进行推动并试图攻入其他人位置上的缺又,游戏中制造了玻璃管与玻璃管,玻璃管与木材和栗子三者撞击,以及参与游戏者激动的尖叫声。
而展览中没有通过线被固定在空间中的几件“乐器”,拥有可以被带着在这座城镇中游走和制造声音的可能,仿佛旧时走街串巷的手艺人的宣传方式,也像是我在日本观察到的至今还在延续的,播放着音乐提醒人们它的到来的,零食售卖小货车。其中由旧木送餐箱改造的“乐器”是我对是否能运送一段旋律的想象,我在里面隔板间穿插的尼龙弦构成的抽象的蛇形后面穿插了一条真正的完整蛇蜕,片段清晰片段隐藏的它亦是这个装置的隐喻 :给被弃用的外壳注入声音。此外的筲箕,锹和小铜锅,人们在原本使用它们时的动作像
舞蹈般美丽,我给它们挂上或放入旧门帘上的木珠串与栗子,与一台馬林巴琴配合,让人们在复现这些动作时也制造出听觉上的呼应。
我没有在展览现场对乐器的演奏给予具体的说明,希望自由探索的过程就可以成为人们交流的契机和得到发现的乐趣,也或许有人会通过观察和利用这些闲置了的古道具,对它们原有的功能和结构产生兴趣,进而去探索一段历史。比起真的乐器,这些由旧日工具农具改造的装置试图让人忘记正确演奏乐器的压力,希望人们因此感受到这些非常规乐器和自然物制造出的声音也都是独特而珍贵的,正如每个地方独特的传统与文化都值得被珍视和记录。
在通过展览与参观者交流的同时,我也在进行着与同样从宝岛带回的曾作为桌子一部分使用的巨大原木的交流,延续了我以往的工作方法,我并不会提前定下主题和绘制草图,而是用电锯直接与木头对话,帮它去除腐朽或虫蛀的部分,慢慢找到它想要的生命凝结形态,让它更有尊严地存在下去。
FR
Mes créations ont toujours exploré la présentation des aspects
structurels internes des choses et la préservation des souvenirs
éphémères à travers des installations impliquant sculptures et
vidéos. Tout comme les villes et les bâtiments offrent une scène à
la vie, j’espère que mes œuvres pourront devenir une sorte de
déclencheur ludique ou un rituel figé attendant d’être réactivé par
la participation des gens. Grâce à l’interaction avec ces œuvres,
les individus peuvent momentanément s’échapper de l’ordinaire,
découvrir une nouvelle perspective et générer de nouvelles
sensations.
En arrivant à Tatsuno, l’une des premières choses qui a attiré
mon attention a été les échos mélodiques résonnant dans toute la
ville à trois moments précis de la journée. Ces mélodies sont
sûrement devenues un élément indispensable de la vie des
habitants. À coup sûr, quiconque ayant vécu ici pendant un
certain temps ressentirait de la nostalgie et évoquerait de
nombreux souvenirs en entendant à nouveau ces fragments
sonores. Non seulement la musique, mais différents sons du
quotidien portent également des souvenirs. Dans une maison
vide, à mesure que les objets disparaissent, les sons qu’ils
produisaient lorsqu’ils étaient utilisés disparaissent également.
Les objets et outils de la vie, lorsqu’ils émettent des sons,
semblent vivants. Cependant, lorsque leur fonction n’est plus
nécessaire, leur destin est soit l’abandon, soit le stockage, même
si certains sont conservés pour être exposés, ils perdent leur
capacité de communiquer. Ainsi, en parfait accord avec la
proposition présentée par Tobichi art museum, j’ai ramené ces
objets anciens de “l’île au trésor” dans l’intention de les
“ressusciter” dans mon exposition en tant qu’instruments.
L’ancien studio japonais d’échec (Shogi Dojo), avec ses portes
coulissantes donnant sur la rue, ressemble à une scène ou à un
échiquier. Mes instruments placés là-bas ressemblent à des
accessoires attendant d’être joués ou à des pièces d’échecs
prêtes à être déplacées. La stratégie essentielle dans le jeu
d’échecs m’a fait penser à un vieux proverbe chinois “草蛇灰线”,
évoquant un serpent se déplaçant dans l’herbe, et une ligne
tracée par la poussière, métaphoriquement représentant des
indices insaisissables ou des connexions internes. Par
conséquent, dans cette exposition, j’ai utilisé du fil de nylon
fluorescent pour relier la plupart des “instruments”. Parfois, c’est
un fil qui contrôle le mouvement d’autres objets, et à d’autres
moments, c’est une corde dont la tension modifie le son, tissant et
connectant dans l’espace, déclenchant involontairement des
changements de son des autres “instruments” par la visite des
visiteurs. Par exemple, à l’entrée, en utilisant un bâton de
bambou creux semblable à une flûte pour contrôler un axe en
bois enroulé avec le fil, on peut contrôler un mochi maillet caché
dans une niche, le faisant frapper le mur ou tomber par terre. J’ai
pensé aux coups de marteau dans la Sixième Symphonie de
Gustav Mahler, symbolisant la mort, que j’ai déconstruit ici de
manière ludique, symbolisant la renaissance. Et finalement, la
corde aboutit à un dispositif composé d’anciens oreillers en bois
et de poteaux en bois. En ajustant la position des poids, le son
des cordes utilisées pour les suspendre change, laissant
entendre que le son porte aussi du poids.
En arrivant aussi pendant la saison des châtaignes, j’ai remarqué
des châtaignes éparpillées par terre dans le parc aux châtaigniers
proche, me donnant l’impression d’être moi-même une châtaigne
tombée accidentellement sur cette terre, et commencé à imaginer
le son de leur chute… J’ai ramené alors quelques châtaignes de
là-bas pour les ajouter à cette installation en tant qu’accessoires
pour produire des sons, espérant que les gens, à travers ces
incarnations de châtaignes, pourraient toucher ou accéder à
différents instruments de l’installation. Particulièrement envers le
panier en bambou tressé, le tarare en bois et le seau en métal
suspendu devant, jeter des châtaignes dans leurs ouvertures
produira des sons différents, permettant aux gens de ressentir et
de comprendre davantage leurs matériaux et leurs espaces
internes en les écoutant. À l’intérieur du panier en bambou se
cache un morceau de tronc avec une section recouverte de
journal, ayant la forme d’un visage de singe. Les singes
représentent un animal caractéristique dans ma perception de la
région montagneuse de Nagano. J’imagine ce singe se faufilant
dans le panier en bambou porté par ceux qui montent à la
montagne pour travailler, se faisant toucher par des châtaignes
qui tombent accidentellement dans le panier en cours de route.
Par conséquent, j’ai utilisé de la poudre pailletée pour esquisser
grossièrement ses yeux et sa bouche, servant d’œuf de Pâques
que les gens pourraient découvrir en jetant des châtaignes. Il en
va de même pour le vieux tourne-disque à côté, en plaçant des
châtaignes sur les vieux disques qui tournent toujours, à la fois le
poids et les collisions pourraient affecter le contact de l’aiguille
avec le disque, lisant de manière inattendue des fragments de
sons stockés dans les enregistrements à des moments incertains.
Tout comme nous cherchons des histoires qui se sont déroulées
ici à travers ces objets restants.
La création de sons tout en jouant aux échecs n’est pas le but,
mais c’est inévitable. Le silence qui accompagne la fermeture du
Dojo évoque inévitablement un sentiment de solitude, alors j’ai
cherché à raviver sa vitalité grâce à une installation interactive
sonore. Cela est le plus évident dans le jeu posé sur un tonneau
renversé dans l’exposition. Cet appareil, ressemblant à un
tambour, permet à trois personnes d’utiliser un tube en verre
chacun pour jouer avec une châtaigne, semblable à un baby-foot.
Le jeu génère des sons de collisions entre les tubes en verre, le
tonneau et la châtaigne, ainsi que des cris excités des joueurs.
Les instruments de l’exposition qui n’étaient pas fixés dans
l’espace par des cordes ont le potentiel d’être bougés dans cette
ville et de générer des sons, tout comme les méthodes
promotionnelles des anciens artisans de rue en Chine, rappelant
le moyen continue que j’ai observée au Japon – une petite
camionnette vendant des produits alimentaires et jouant de la
musique pour signaler son arrivée. Parmi ceux-ci, l’instrument
transformé à partir d’une ancienne boîte de livraison en bois a
suscité mon imagination quant à la possibilité de transmettre une
mélodie. À l’intérieur, un dépouille de serpent complet se cache
dans des segments – clair dans certaines parties, caché derrière
un serpent abstrait fait de fils de nylon entrelacés entre les
cloisons. C’est aussi une métaphore des instruments j’ai crée
dans l’exposition. De plus, le tamis à grains, la pelle et le petit pot
en bronze, autrefois utilisés avec grâce comme s’ils dansaient,
ont été ornés de perles en bois provenant d’un vieux rideau de
porte et de châtaignes. Ils pourraient également être coordonnés
avec une marimba, reproduisant des dynamiques similaires à leur
utilisation passée, créant ainsi une résonance auditive.
Je n’ai pas donné d’instructions spécifiques pour jouer ces
instruments sur le site de l’exposition, espérant que le processus
d’exploration libre devienne une opportunité de communication et
de joie du hasard. Peut-être que certains pourraient s’intéresser à
ces objets inutilisés par l’observation et le jeu lors de cette
occasion spéciale, explorant leurs fonctions et structures
d’origine, plongeant dans une partie de l’histoire. Plutôt que de
véritables instruments de musique, ces installations, transformées
à partir d’outils anciens et d’outils agricoles, tentent de faire
oublier aux gens la pression de jouer des instruments
traditionnels. J’espère qu’ils peuvent percevoir que les sons
produits par ces instruments non conventionnels et les éléments
naturels sont également uniques et précieux, tout comme chaque
tradition et culture unique dans un lieu méritent d’être chéris et
documentés.
Tout en échangeant avec les visiteurs à travers l’exposition, je
suis également en communication avec un énorme bille de bois,
autrefois partie d’une table, ramené de la même “île au trésor”.
Poursuivant mon approche habituelle, je ne préétablis pas de
thèmes ni de contours. Au lieu de cela, j’engage un dialogue
direct avec le bois à l’aide d’une tronçonneuse, en enlevant les
parties pourries ou infestées par les insectes. Graduellement, je
découvre la forme qui résonne avec sa vie souhaitée, lui
permettant d’exister avec une plus grande dignité.
EN
My creations have always explored the presentation of internal
structural aspects of things and the preservation of ephemeral
memories through installations involving sculptures and videos.
Just as cities and buildings provide a stage for life, I hope my
works can become a kind of game-like trigger or a frozen ritual
awaiting reactivation through people’s participation. Through
interaction with these works, individuals can momentarily break
away from the ordinary, experience a new perspective, and
generate new sensations.
Upon arriving in Tatsuno, one of the first things that caught my
attention was the melodic echoes that reverberate throughout the
entire city at three fixed times of the day. These melodies must
have become an indispensable part of the locals’ lives. Surely,
anyone who has lived here for some time would feel nostalgia and
evoke many memories upon hearing these sound fragments
again. Not only the music, various everyday sounds also carry
memories. In an empty house, as items disappear, so do the
sounds they produced when used. Objects and tools in life, while
they make sounds, seem alive. However, when their function is no
longer needed, their fate is either abandonment or storage, even
if a few are preserved for display, they lose their ability to
communicate. Thus, perfectly aligning with the proposal
presented by the Tobichi Art Museum, I brought back these old
objets from “Treasure Island” with the intention of resurrecting
them in my exhibition as instruments.
The former Japanese chess studio (Shogi Dojo), with its sliding
gates facing the road, resembles a stage or a chessboard. My
instruments placed there resemble props waiting to be performed
with or chess pieces ready to be moved. The essential strategy in
playing chess made me think of an old Chinese idiom “草蛇灰线”,
referring to a snake moving in the grass, and a line drawn in the
dust, metaphorically representing elusive clues or internal
connections. Therefore, in this exhibition, I used fluorescent nylon
thread to link most of the “instruments.” Sometimes, it’s a thread
that controls the movement of other objects, and at other times,
it’s a string whose tension alters the sound, weaving and
connecting in space, inadvertently triggering by visiter changes in
the sound of other “instruments.” For example, at the entrance,
using a flute-like hollow bamboo stick to control a wooden shaft
wound with the thread can control a mallet hidden in a niche,
causing it to strike the wall or fall onto the floor. I recalled the
hammer blows in Mahler’s Sixth Symphony, symbolizing death,
deconstructing it here in a playful manner akin to a child’s rolling
game, symbolizing renascence. And ultimately, the string
culminates in a device composed of old wooden pillows and
wooden poles. By adjusting the position of the weights, the sound
of the strings used to suspend them changes, hinting that sound
also carries weight.
Arriving during the chestnut season, I noticed chestnuts scattered
throughout the Chestnut Park nearby, feeling somewhat like a
chestnut accidentally dropped into this land, beginning to imagine
the sounds of their falling… I brought back some chestnuts from
there to add to this installation as props for making sounds,
hoping that people, through these incarnations of chestnuts, could
touch or enter various instruments in the installation. Particularly,
toward the bamboo woven basket, wooden winnowing machine,
and the hanging metal bucket in front of it, throwing chestnuts into
their openings will produce different sounds, allowing people to
feel and understand more about their materials and internal
spaces by hearing. Inside the bamboo basket hides a wooden
stake with a section covered by newspaper, shaped like a
monkey’s face. Monkeys represent a characteristic animal in my
perception of the Nagano mountainous region. I imagine this
monkey sneaking into the bamboo basket carried by those
heading up the mountain for work, getting hit by chestnuts that
accidentally fall into the basket along the way. Therefore, I used
glitter powder to roughly outline its eyes and mouth, serving as an
Easter egg that people might discover when tossing chestnuts
inside. So does the old record player next to it, by placing
chestnuts on the old playing records that are still spinning, both
the weight and collisions might affect the needle’s contact with the
record, unexpectedly reading out fragments of sound stored
within the records at uncertain moments. Just as we seek stories
that once occurred here through these remaining items.
The creation of sound while playing chess is not the goal, but it’s
inevitable. The quietness that has come with the disuse of the
Dojo inevitably evokes a sense of loneliness, so I aimed to
rekindle its liveliness through a sound interactive installation. This
is most apparent in the game set atop an upside-down wooden
barrel in the exhibition. This device, resembling a drum, allows
three people to use glass tubes to individually push a chestnut,
akin to table football, attempting to score into a gap in each
other’s position. The game produces sounds from the collisions
between the glass tubes, barrel, and chestnut, as well as excited
screams from the players.
The instruments in the exhibition that were not fixed in space by
strings have the potential to be carried around this town and
generate sounds, much like the promotional methods of old-time
street craftsman in China, reminiscent of the ongoing tradition I
observed in Japan—a snack-selling cart that plays music to signal
its arrival. Among these, the instrument transformed from an old
wooden delivery box sparked my imagination regarding the
possibility of conveying a melody. Inside, a complete snake sheds
concealed within segments—clear in parts, concealed behind an
abstract snake made of nylon strings interlaced between the
partitions. It is also a metaphor for all the instruments there:
injecting sound into discarded shells. Furthermore, the grain
sieve, the shovel, and the small bronze pot, once used gracefully
as if dancing, were adorned with wooden beads from an old door
curtain and chestnuts. They could also be coordinated with a
marimba, replicating similar dynamics to their past use, thus
creating an auditory resonance.
I didn’t provide specific instructions for playing the “instruments” at
the exhibition site, hoping that the process of free exploration
could become an opportunity for communication and the joy of
serendipity. Perhaps, some may become interested in these
disused objects through observation and use in this special
occasion, exploring their original functions and structures, delving
into a piece of history. Rather than real musical instruments, these
installations, transformed from old-day tools and farming
implements, attempt to make people forget the pressure of
playing traditional instruments. I hope they can perceive that the
sounds produced by these unconventional instruments and
natural things are also unique and valuable, just as every unique
tradition and culture in a place deserve to be cherished and
documented.
While engaging with visitors through the exhibition, I am also in
communication with a massive log, previously part of a table,
brought back from the same ‘Treasure Island.’ Continuing my
previous approach, I don’t predefine themes or sketch outlines.
Instead, I engage in direct dialogue with the wood using a
chainsaw, removing decayed or insect-infested parts. Gradually, I
discover the form that resonates with its desired life, allowing it to
exist with greater dignity.
——————————————-
Stephanie Simek
EN
As a new visitor to Japan, I took special notice of the carefully-crafted brooms that I would see around town- along the streets, in front of businesses, even at the garbage dump. I began thinking about these brooms, composed of many individual bristles, and how they are similar in design to the Tobichi project- a cooperative, collective effort working towards revitalization. It is a “ground up” project. And so, for my contribution to the Tobichi Art Museum, I focused on the ground.
I chose the STUDIO River basement space for its floor. It’s made of wooden tiles with distinctive end-grain patterns, dissected tree rings in a puzzle-like arrangement with an abundance of splits and cracks. The floor contains over 60 miniature abstract sculptures I intuitively shaped and embedded inside the various holes and cracks. In the corner of the room is a broom-sculpture made from found items collected during my stay, including colorful silk thread from a sewing kit, clothing label ribbon that says “Fashion Mode Tatsuno”, wooden beads from a curtain, and various plants and branches.
As a counterpoint to the ground, the mirror on the floor points to the ceiling, reflecting 3 small “paintings”- acrylic palette remnants from the miniature sculptures. And on the wall, a palm-sized spiral seashell with a silver coin peeking out from its center is imprinted with the words “ONLY FOR AMUSEMENT”. Upon careful inspection you will notice this is not an actual coin – rather it is a foil rubbing copied from a game token – one small treasure found in a giant garbage heap.
JA
日本を初めて訪れた私は、街路沿いや商店街、さらにはゴミ捨て場など、街中で見かける丁寧に作られたほうきに特に注目しました。私は、大量の一本一本の毛で束ねられたほうきについて、またそのデザインが、活性化に向けた協力的でチーム力のある取り組みであるトビチ美術館企画と、どのように似ているかについて考え始めました。それは「地上げ（グランドアップ）」プロジェクトです。そこで、トビチ美術館の作品製作では、地面に焦点を当てました。
STUDIOリバーの地下スペースの床が気に入り、そこを会場として選びました。特徴的な木目のタイルで作られており、年輪がパズルのように配置され、割れ目や亀裂が豊富にあります。床には、私が直感的に形を整え、さまざまな穴や亀裂の中に埋め込んだ 60 を超えるミニチュアの抽象彫刻があります。部屋の隅には、裁縫セットの色とりどりの絹糸、「ファッションモード辰野」と書かれた洋服ラベルのリボン、カーテンの木製ビーズ、さまざまな植物や木の枝など、滞在中に集めたもので作ったほうきの彫刻があります。
床に置いた鏡は地面と対比して天井を向いており、ミニチュア彫刻のアクリルパレットの残骸である 3 つの小さな「絵画」を映しています。そして壁には、手のひらサイズの螺旋状の貝殻の中心から銀貨がのぞき、「ONLY FOR AMUSEMENT」の文字が刻まれています。注意深く見てみると、これが本物のコインではないことがわかります。ゲームのトークンからコピーされ、箔押しされたものです。巨大なゴミの山で見つかった小さな宝物です。
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ハダタカヒト
JA
車に乗り込み、いつもの道を通って、変わり映えのしない景色が流れていって、今日もスーパーへ行きます。事故を起こさないように、目線は前を睨んでいます。途中に建て掛けの家があって、あそこには前はなにがあったのだろうなどと考えても思い出せません。窓を開けると風が冷たくなっていて、季節は冬へ向かっています。
皮が割れるのを楽しみにしていたアケビが、少し忙しく暮らしている間に、黒く地面で腐っていました。畑の白菜はみるみる大きくなって今年の冬は鍋には困らなそうです。
日常も気づかない内にずっと変わり続けていて、見ているものも次の瞬間にはさっきとは違っています。もうなくなったもの、変わってしまったもの、それらをちゃんとみていられたらよかったのにと思うことがよくあります。全部に気づけるほど優秀ではないし、僕の二つの目玉では到底見ることはできないですが、作業机の上で自分が作る景色くらいは、一筆一筆丁寧に見ていたいなと思うのです。
EN
Getting into the car and driving along the usual street, I pass by the unchanging scenery. I am going to a supermarket today, too. To avoid accidents, I stare ahead. There is a house under construction on the way to the supermarket, and I cannot recall what used to be there. Opening the window, the wind is already colder, and the season is changing to winter.
An Akebi (Chocolate vine), which I look forward to seeing split open, had rotted on the ground while I was busy. The Chinese cabbage in the field is rapidly growing, and so I don’t think I’ll have any trouble making hot pots this winter.
Everyday life continues to change without notice, and what I see is different from just a moment ago. I often think I could properly observe things that have disappeared or changed.
I am not outstanding in that I don’t notice and see everything with my own two eyes.
However, I would like to carefully observe at least the scenery I create on my desk with every stroke.
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Karalyn Shaw
EN
This sculptural installation, ‘The Tale of the Genji Firefly’, within Tobichi Art’s Keirindo Gallery was completed by me in residency in January 2024.
A visit to ‘treasure island’ upon arrival presented me with approximately 350 disused LED lights, some wooden lacquered plates, glass lens pieces, old newspaper and a few foldable peace flower lantern templates. Early walks around Tatsuno evidenced fireflies, the Tenryū river, surrounding mountains, the yellow pheasant’s eye flower and vintage patterned window panes as key symbolic elements. I sought to interconnect these finds and symbols in creating my installation.
The work was also inspired by the theme of the residency in ‘Here by Coincidence’ and Murasaki Shikibu’s 11th century novel, “The Tale of the Genji”. I wondered at many coincidental and even, synchronistic occurrences during my time in Tatsuno and the fact the so named Genji firefly was a member of the beetle family drew a parallel for me with Jung’s famous scarab synchronistic event. Thus, the work was also influenced by Jungian psychology: each element in the work had both a literal representation in Tatsuno town, as well as a more philosophical, archetypal psychological interpretation. “The Tale of the Genji” contains a chapter in which fireflies are used to illuminate beauty from darkness – a concept I incorporated via the gallery door and an added painted black screen for darkness and suspending fireflies illuminating Tatsuno town.
Apart from the materials sourced at ‘treasure island’, paint was a significant medium. There is a good deal of appropriate symbolism surrounding a coat of brightly coloured, fresh paint: a sign of rejuvenation, renovation, new beginnings & prosperity – what I hope for Tatsuno town.
The installation is also partly collaborative with the local community. Visitors to the exhibition can fold pink (sakura) or yellow (adonis amurensis) flowers to plant around the Tenryū river. A special thank you also to Komiyama-san for treasured conversations and gift in and installation of a beautiful tree, connecting ‘above and below’ and central to my work.
JA
トビチ美術館の桂林堂ギャラリー内にあるこの彫刻インスタレーション「源氏ボタル物語」は、私がレジデンス制作として 2024 年 1 月に完成させました。
宝島に到着したとき、使われなくなった LED ライト約 350 個、漆塗りの木製プレート、ガラスのレンズ片、古新聞、折り畳み式のピースフラワーランタンの型紙をいくつかもらいました。天竜川沿いの散歩で、ホタル、天竜川、周りの山々、福寿草、ビンテージ模様の窓ガラスが象徴的要素であることがわかりました。私はインスタレーションを作成する際に、これらの発見とシンボルを相互にリンクさせようとしました。
この作品は、『偶然、ここで。』と紫式部の11世紀の小説『源氏物語』の滞在のテーマからもインスピレーションを受けています。辰野にいる間、私はたくさんの偶然の出来事、そしてシンクロニシティ（ユングが提唱した提唱した概念で、「意味のある偶然の一致」）な出来事について考えました。「ゲンジボタル」と名付けられたこのホタルがカブトムシの仲間であるということは、ユングの有名なコガネムシ現象との類似点があると私は思いました。この作品もユング心理学の影響を受けています。作品の各要素には、”辰野町”をそのまま表している表現と、より哲学的、元型（ユングが提唱した概念で、人間に生まれ持ってそなわる集合的無意識で働く「人類に共通する心の動き方のパターン」）の心理学的解釈の両方を含んでいます。『源氏物語』には、暗闇から美を照らすためにホタルが使われる一生節があります。これらのコンセプトは、ギャラリーのドアと、暗闇を表現する黒塗りのスクリーンを置き、辰野の町を照らす吊り下げられたホタルを通して取り入れました。
「宝島」で調達した材料とは別に、絵の具も重要な表現方法でした。鮮やかな色のフレッシュなペンキの 周りには、若返り、改修、新たな始まりと繁栄のしるし、つまり私が辰野町に望むものである、シンボルがたくさんあります。
作品の完成には地域の皆さんの協力が必要です。ピンク（桜）や黄色（福寿草）の花を折り畳んで、 天竜川周辺に植えることができます。
また、私の作品の中心となる上下をつなぐ美しい木を贈呈・設置していただきました小宮山さんに心より感謝申し上げます。
翻訳 / Translation: Hideka Norinobu, Karalyn Shaw, Ayako Yoshida